2022年8月9日下午，由上海音乐学院主办，上海音乐学院研究生部、作曲指挥系、中国当代音乐研究与发展中心承办的国家艺术基金2022年度艺术人才培养资助项目，邀请到著名作曲家、上海音乐学院博士生导师许舒亚教授为学员们带来题为的讲座。

许教授对自己两部交响乐作品和的创作思路与技术语言进行了详细的分析，同时回顾了二十世纪末中国当代新音乐发展的基本情况，介绍了新时代中国舞台音乐创作与艺术实践成果，并对团队近期创作成果进行了阶段性总结。

项目负责人钱仁平教授主持讲座。

一、上世纪末在欧美留学的
中国作曲家群体

许舒亚教授首先回顾了自上世纪以来留学西方的中国作曲家群体。

1950年之后的欧洲不断诞生出新的作曲技术流派，继而涌现出大批先锋作曲家及大量的优秀作品，例如德国的斯托克豪森、匈牙利的利盖蒂、法国的梅西安、布列兹，以及近年来国内学界非常关注的以缪哈伊为主的频谱乐派。

此时，法国的电子音乐在世界上最早崛起并极具代表性，越来越多的中国作曲学子们都在对其学习研究，对中国当代音乐的发展起到了孵化与推进的重要作用。

许教授列举了以叶小钢、谭盾、陈其钢、杨立青、赵晓生等为代表的中国作曲家在美国、法国、德国、瑞士与澳大利亚等欧美留学、工作与生活的分布图，他们长期的留学经历，以及对世界音乐与当代音乐思维、技法与美学等维度的学习与研究，对中国当代音乐的发展直至今天仍发挥着积极的推进作用。

二、：生命如沙迎光而耀
是许舒亚教授将电子声学理念融入传统器乐创作的代表作品。

该作品是1992年作曲家在巴黎国立高等音乐学院的硕士学位毕业音乐作品，同年获得第五届法国贝藏松国际交响乐作曲比赛的唯一大奖，次年入选第43届法国贝藏松国际指挥比赛的决赛必选曲目，由法国图卢兹交响乐团完成世界首演。

该作品将乐队分为三个乐器组，作曲家利用微分音、泛音列和五声性纯律音程非均分的特性，将作品开始的三个弦乐组依次呈示两个含微分音的音程组，并以此为核心结合音色的变化进行螺旋式推进，形成作品的前两次高潮。

作品通过三度与四度音程中音色的切换，并在大三度与大二度之间利用微分音，以此建立音响效果塑造出如作品标题所示的斑斓色彩。

第三组将音程打散形成移动的音程，同时加入十二平均律体系的乐音，三组木管在进入高潮后转换成一组以阶梯式发展的流动音程，音程组本身也在发生变化。

作品在第三次高潮后音乐继续发生变化，呈示部分的两组音程发展为九组持续不断的音程组流动，随后转换为复调式的程组对位织体。

高潮之后音乐下行，以环绕流动的节奏动感的#C为中心音，在听觉上产生持续不断的流动感。

许教授表示，作品中泛音列结构的构思来自他对于夕阳光线照射在沙漠沙子颗粒上产生水晶体的光折现象，由此反射出多层次、多棱角不同颜色的光和力度感受所产生的联想。

这种“光泽”对于作品来说主要体现为音色的变化。

该作品并未完全使用无调性或晦涩的音程关系，同时使用了较多非传统创作手法，其中有很多地方出现“单音性”，希望在很复杂的情况下用一个极简的对比来实现作品的结构平衡。

三、：融入万物得大自在
这部作品在千禧年受法国广播电台委约，法国国家交响乐团于2001年5月16日完成世界首演。

的创作立意依托中国西藏地区藏族人的生死观。

涅槃是佛教的一种精神状态，中国人常常用凤凰涅槃来形容人性的信念、毅力和人性追求的更高境界。

许舒亚教授表示：“当我创作这部作品时，脑海里不由自主地出现西藏的天籁之声。

那种空旷原野的纯净、地谷气氛的神秘、和从天上飘来的遥远旋律，常常在忧郁空灵中传来甜美、朴素等感触交织在一起。

”
作品的构思由此开始。

音乐素材有两个：一个是弦乐的固定节奏，表达出凝固的气氛环境，另一个是从旋律的原始、再派生、再变形，构成音乐的流动和发展并最终回到原始的简洁。

这两者构成了静和动的逻辑关系，从开始音乐直接的表达方式转为更深层的意义，就像涅槃的境界是一种内心灵魂的转型，从悸动转变到和谐和安宁。

依托这一观念，许教授在作品中呈现了他自1988年到法国后至2000年十余年中对他自身创作的思考与探索。

如同他另一部在欧洲频频上演的室内乐作品一样，这段时间他对复杂创作产生了青年式的狂热追求。

在音乐素材上，使用了大量藏族音乐元素，如塑造藏族寺庙里的铜钦等声响。

作品以微分音与正常的四度与五度音程之间的转换，同时以铜管与木管的低音乐器在低音区相互交错，对该音色进行声塑。

许教授指出，中国民间音乐中管乐声部的音程设计呈现的是一种自然状态，虽然与西方微分音频谱体系并非同一观念，但两者产生出异曲同工之妙的音响效果。

此外，他在作品中使用了音程节奏错位的手法，又称作节奏式的复调写作方法；其次，运用藏语民歌的素材由小到大缓慢发展。

作品高潮中形成木管及圆号与弦乐音程节奏的对位，而铜管在节奏上形成独立的复调对位，其后由藏族民歌素材转换到十二音序列，使序列音乐与随之而出的藏族民歌并置、推进。

该段是一种由弱渐强的冥思式体现，运用逆行、倒影与旋转式变化，而律动则是固定式。

随后民歌和盘托出，伴随十二音材料平行推进到作品高潮。

许教授强调，在他的创作理念中，民歌素材的运用不是全盘引用，而是根据他的创作思维对民歌旋律的重新塑造。

最后，许舒亚教授指出，他在创作时还未出现非常明确的东方旋律状态，直到创作时他才开始发生变化，进而在歌剧和舞剧中慢慢呈现出东方元素的音乐风格转变。

许舒亚教授呼吁青年作曲家要时刻关注内心声音在不同时期的变化，同时要不断精进自身的创作技术。

四、与新时代中国舞台音乐创作
许舒亚教授还向学员们介绍了他近年来在新时代中国歌剧研究和创作上的最新成果。

许舒亚教授提到，自新时代民族复兴及“中国梦”的推动开始，一批京沪作曲家暨高校作曲教授在歌剧的艺术创作实践方面取得了优异成果。

特别是民族歌剧在近年来蓬勃发展离不开国家对民族歌剧的大力扶持，尤其是国家艺术基金的资助。

他认为，相对于乐团的自主创作，专业音乐学院的作曲家在美学思想和技术手段上有着更为成熟的经验和创新性。

他以作品首演的先后时间对二十一世纪新时代中国歌剧音乐创作进行了概括性的介绍，其中包含以及。

他表示，这五部作品在一定程度上可以代表京沪两地作曲家在歌剧方面取得的成果。

歌剧作为2017年文化部民族歌剧扶持工程9部重点剧目之一,在国庆期间献礼“十九大”及共和国生日。

作品获北京“中国2017年最佳原创歌剧”提名，在北京为吉尔吉斯斯坦共和国总统演出，该剧还随国家主席习近平出访“2019上合组织峰会”期间出国演出。

此歌剧还入选“第三届中国歌剧节”和“全国优秀民族剧目展演”参演剧目、入选北京国家大剧院2021年歌剧节和文旅部“百年百部传统精品复排计划”；2022年入选国家文旅部建党一百周年重点扶持作品、第四届中国歌剧节“优秀剧目”荣誉。

为了创作该歌剧，主创团队先后三次深入新疆柯尔克孜族地区采风,收集了大量原始音乐素材。

起初从四百多首民间歌曲和器乐曲中挑选出“库萨勒克”“得勒博峻”“吐瓦依吉莱姆”“艾珊博勒”等最具柯尔克孜民族特性的19首曲调,并以此作为歌剧咏叹调的创作基础；同时,将口弦琴、库姆孜等民族乐器融入乐队中,充分展现出了柯尔克孜族民族音乐的特色。

许教授向学员们播放了合唱的音响，通过分析库萨勒克民歌与男高音、女高音二重唱之间的形态关联，以此阐述作曲家如何处理个性创作与民族认同的问题。

最后，许舒亚教授向学员们介绍了以他为首席教授的“新时代中国歌剧舞台创作制作与艺术实践”团队近五年来的重要舞台作品成果，其中大型原创歌剧获得业内极高评价并获得多项国家级奖项；在读博士创作的系列“室内歌剧之夜”获得在场专家及学者的褒奖；大型民族器乐音乐剧场得到观众的好评和各大媒体的争相报导；完成国家艺术基金大型舞台资助项目、革命题材原创话剧以及民族管弦乐音乐剧场等作品。

本次讲座中，许教授以其两部交响乐作品的技术解析和理念阐发为核心，全面介绍了自己的交响乐创作语言、技法和演变三个维度，继而引申到歌剧音乐及舞台音乐的创作实践。

许教授既回顾了中国当代音乐的历史发展脉络，又展示了近年来中国歌剧创作的最新成果，为学员们带来了关于音乐创作的艺术启示与历史思考。